Ziel ist es, in diesem Kurs einen möglichst guten Überblick über sämtliche Bereiche und Möglichkeiten des Themas „audio-visuelle Medien“ zu vermitteln. Die zentralen Fragen sind also: Was sind eigentlich audio-visuelle Medien, was zeichnet sie aus? Wozu benutzen wir sie? Was benötigen wir als Handwerkszeug, um sie von der Aufzeichnung oder Erstellung bis zur Endfertigung zu produzieren?

Audio-visuelle Medien sind zum Beispiel Fotografien, computergenerierte Bilder, Film und Video, Animationen bis hin zu Online-Erklärvideos. In diesem Kurs wird besonderes Augenmerk auf die Zusammenhänge und die aktuellen Einsatzmöglichkeiten audio-visueller Medien gelegt. Abschließend werden noch Aufwand und Kostenkalkulation beleuchtet.

1. Einführung in das Thema audio-visuelle Medien
   1. Begriffsdefinition und Anwendungsbeispiele audio-visueller Medien
   2. Überblick über die gebräuchlichsten audio-visuellen Medien und ihre vielfältigen Ausprägungen
   3. Der audio-visuelle Workflow – die Vorproduktion
   4. Der audio-visuelle Workflow – die Produktion
   5. Der audio-visuelle Workflow – die Postproduktion
2. Audio-visuelle Bild- und Tonkomposition
   1. Motivgestaltung
   2. Atmosphäre und Stimmung
3. Audio-visuelle Medienformate und Technik
   1. Fotografische Aufnahmeformate
   2. Fotografische Aufnahmetechnik
   3. Fotogrammetrie
   4. CGI – Computer Generated Imaging
   5. Realdreh-Aufnahmeformate
   6. Realdreh-Aufnahmetechnik
   7. Animation 2D
   8. Animation 3D
4. Das fotografische Bild – Werkzeuge der Postproduktion
   1. Farbmanagement (Color Management)
   2. RAW-Entwicklung
   3. Bildbearbeitung
5. Das Bewegtbild – Werkzeuge der Postproduktion
   1. Bild-/Ton-Schnitt
   2. Bildbearbeitung und Compositing

World Design im Storytelling umfasst die Entwicklung von spannenden Handlungen, glaubhaften Figuren und insbesondere die Gestaltung einer Backstory, die das spielerisch zu Erlebende glaubhaft in einen bedeutungsvollen Kontext (Geschichte, Wirtschaft und Gesellschaft) setzt. Diese Kompetenz wird schon lange in vielen Bereichen beziehungsweise Medien genutzt, aber für den Game Designer stellt sich die besondere Herausforderung, dem interaktiven Charakter von Spielen gerecht zu werden und spielspezifische Anforderungen wie Genrekonventionen oder Levelsysteme zu beachten.

1. Einführung ins World Design
   1. Design einer Spielewelt
   2. Die Geschichte virtueller Welten
   3. Organisches World Design
2. Plot Development
   1. Was ist ein Plot in einer interaktiven Umgebung?
   2. Storytelling und Immersion
   3. Vom Plot zum Character
3. Character Development
   1. Design glaubhafter Characters
   2. Entwicklung der Backstory von Charakteren
   3. Dynamik zwischen Spieler:in, Autor:in und Character
   4. Character Building & Leveling in Games
4. World Building
   1. Vom Plot zum World Building
   2. Attribute einer Spielewelt
   3. Kohärenz und Konsistenz
5. Narration, Genres und Level Design
   1. Narrative Herausforderungen durch Genres
   2. Genre und Level Design
   3. Narration und Level Design
6. Herausforderungen des World Designs im Team
   1. Praktische Ansätze zur Zusammenarbeit
   2. Skalierung

Computerspiele sind interaktive, aber vor allem auch visuelle Medien. Das Designen und die Herstellung grafischer Assets nimmt einen erheblichen Teil der Projektentwicklungszeit in Anspruch. So kann es sein, dass mehr als die Hälfte eines gesamten Projektbudgets allein für Grafik verwendet wird.

In diesem Modul wird ein grundsätzliches Verständnis um die Vorgänge im Game Art Bereich vermittelt. Es werden die verschiedenen Gewerke vorgestellt und ein Workflow anhand eines 3D Assets erklärt. Die Kenntnisse kommen zukünftiger Projektplanung als auch der Teamkommunikation zugute.

1. Gewerke der Game Art im Überblick
   1. Kurze Historie
   2. Unterschiede AAA Studio und Indie Entwickler
   3. Aufgaben und Spezialisierungen im Bereich Game Art
2. Concept- und 2D Art
   1. Unterschiede Illustrator und Concept Artist
   2. Erstellung von Concept Art und 2-D-Art
   3. Software
   4. Character Art
   5. Modeling Sheets
   6. 2-D-Art-Stile
   7. UI und HUD
3. 3-D-Art
   1. Workflow
   2. Software
   3. Referenzen
   4. Modeling: Grundbegriffe
   5. Modeling: Asset Design
   6. Texturierung und Optimierung
4. Texturen und Materialien
   1. Texture Maps und deren Funktionen
   2. Node-based Materials
5. Rigging und Animation
   1. Software
   2. Rigging und Skinning
   3. Key Animations
   4. Motion Capturing
   5. Die 12 Prinzipien der Animierung
6. Integration in eine Game Engine
   1. Export
   2. Import
   3. Animationssystem
7. VFX und Lightning
   1. Partikeleffekte und Materialeffekte
   2. Lichtquellen und deren Verwendung
8. Workflow und Asset-Pipeline am Beispiel 3D Environment Art
   1. Concept und Referenzen
   2. 3-D-Modellierung
   3. Texturerstellung
   4. Integration

Die Entwicklung eines Computerspieles ist komplex. Die einzelnen technischen Bestandteile, darunter Grafik, Physik, Animationen, Sound und Musik, Benutzereingabe und künstliche Intelligenz müssen nahtlos ineinandergreifen und sich zu einem funktionierenden fertigen Spiel zusammenfügen.

Eine Game Engine liefert das technische Grundgerüst, welches ein Spiel antreibt. Die Game Engine stellt Bausteine zur Verfügung, aus denen sich ein Spiel Stück für Stück zusammensetzen lässt.

Dieses Modul gibt eine Einführung in die allgemeinen Konzepte einer Game Engine. Anschließend werden die wichtigsten Werkzeuge und typische Arbeitsabläufe am Beispiel ausgewählter gängiger Game Engines aufgezeigt.

1. Einleitung
   1. Historische Entwicklung von Game Engines
   2. Definition einer Game Engine
   3. Kategorisierung von Game Engines
   4. Bestandteile einer Game Engine
   5. Parameter zur Bewertung einer Game Engine
2. Allgemeine Konzepte
   1. Projekte
   2. Szenen
   3. Objekte
   4. Komponenten
   5. Game Loop
3. Entwicklungsprozesse I
   1. Projekt einrichten
   2. Assets importieren und nutzen
   3. Scripting und Events
   4. Benutzereingabe und Steuerung
   5. Grafische Benutzeroberfläche
4. Entwicklungsprozesse II
   1. Animationen und Sound
   2. Terrain und Tilemaps
   3. Navigation und Wegfindung
   4. Shader programmieren und nutzen
5. Erweiterte Systeme und Konzepte
   1. Laden und Speichern
   2. Netzwerk und Multiplayer
   3. Datenoptimitiertes und datenzentriertes Design
6. Gängige Game Engines im Detail
   1. Einführung Beispielprojekt
   2. Unity
   3. Erläuterungen zur Unreal-Engine
   4. Erläuterungen zur Godot-Engine
7. Weitere gängige Game Engines
   1. 3D Game Engines
   2. 2D Game Engines
   3. Genrespezifische Spezialengines
   4. Proprietäre Game Engines: Beispiele aus der Industrie

Der Kurs gibt eine breite Einführung in die zentralen Bestandteile der Spielentwicklung aus Sicht des gestaltenden Game Designers. Er zeigt den historischen Wandel und gibt einen Einblick in die Arbeitsumgebung des Game Designers. Der Schwerpunkt des Kurses liegt auf der Emotion und Motivation des Spielers, die Erlebnisebene (Experience) und die Spielmechanik. Abschließend führt der Kurs in die Vermarktung von Spielen ein, welche unbedingt mit dem Game Design verbunden ist. 

Diese Reise durch die Spielentwicklung verschafft den Studierenden einen Überblick, damit sie die weiteren Inhalte des Studiums in einen Zusammenhang setzen können und verstehen, wie abwechslungsreich und wunderbar Game Design ist.

1. Geschichte des Spiels
   1. Klassische Regelspiele
   2. Videospiele
2. Game Designer als Beruf
   1. Fähigkeiten
   2. Rolle
   3. Team
   4. Prozesse der Spieleentwicklung
   5. Bekannte Game Designer und ihre Werke
3. Entwickeln der Spielidee
   1. Innovation und Inspiration
   2. Methoden der Ideenfindung
4. Emotion und Motivation
   1. Emotionen - Was ist Spaß?
   2. Genre und Zielgruppe
5. Spielerlebnis / Experience
   1. Setting und Storytelling
   2. User Experience / Look & Feel
6. Regeln und Mechaniken
   1. Gameplay Modes
   2. Struktur des Spiels
   3. Spielmechanik
7. Business und Vermarktung
   1. Monetization
   2. Marketing
   3. Community

Storytelling – oder Geschichtenerzählen – ist eine journalistische Erzähltechnik und ein professionelles Instrument der Öffentlichkeitsarbeit. Der Schwerpunkt des Kurses liegt auf der Vermittlung der theoretischen Grundlagen und der historischen Herleitung des Storytellings. Flankiert werden diese Inhalte auf wissenschaftlicher Ebene durch die Inhalte der Narrativitätstheorien und -forschung. Vor diesem Hintergrund sollen die Studierenden die inhaltlichen Schemata des „Geschichtenerzählens“ abstrahieren und analysieren, um sich schließlich selbst diese Methodik anzueignen und anwenden zu können.

Beispielhaft werden daher auch die Einsatzfelder des Storytellings in der Medienindustrie und weiteren Bereichen dargelegt. Somit sollen die Studierenden inspiriert, animiert und befähigt werden, selbst in der (späteren) Berufspraxis auf diese Muster und Strukturen bei der Content-Erstellung zurückgreifen zu können. Darüber hinaus sollen ihnen spannende Forschungsfelder aufgezeigt werden, die in der wissenschaftlichen Praxis aktuell Raum zu Forschungsaktivitäten bieten.

Anschließend wird den Studierenden elementares Wissen mit Blick auf Theorie und Praxis des auditiven, visuellen und audiovisuellen Storytellings vermittelt, so dass sie befähigt werden sollen, diese Elemente miteinander in Verbindung zu setzen, um hochwertigen und ansprechenden Mediencontent zu produzieren.

1. Einführung und Grundlagen
   1. Begriffsdefinition und Gegenstand
   2. Historischer Ursprung in der griechischen Mythologie
   3. Narrativitätsforschung und -theorien
2. Meilensteine des Storytellings
   1. Forschung und Werk Joseph Campbells
   2. Adaption für die Praxis durch Christopher Vogler
   3. Realisation durch George Lucas
3. Audiovisuelles Storytelling
   1. Einführungen und Definitionen
   2. Visuelles Storytelling: Von der Höhlenmalerei zum Verkehrsschild
   3. Audiovisuelle Umsetzung
4. Symbiose von auditivem, visuellem und inhaltlichem Storytelling
   1. Einsatzfelder und Methoden: Elemente der Bildgestaltung und der Akustik
   2. Instrumente und Methoden – crossmediales Erzählen
   3. Trends und Entwicklungen – im Fokus der Digitalisierung
5. Digital Storytelling
   1. Internationale Blockbuster und TV-Formate
   2. Public Relations und Unternehmenskommunikation
   3. Marketing und Werbung

Der Kurs beschäftigt sich mit den Fragen warum und wie wir spielen, wie man Spiel und Spielen definieren und kategorisieren kann und welche Arten des Spielens es gibt. Darüber hinaus, welche Rolle Spiel und Spielen für unsere Kultur und Gesellschaft hat, wie auch welche Diskurse und Rhetoriken historisch und aktuell von Bedeutung sind. Es werden Ansätze und Theorien der „klassischen“ und „modernen“ Game Studies vorgestellt, wie auch der Einsatz von quantitativen, qualitativen und ganzheitlichen Methoden diskutiert. Auch die Entwicklung eines eigenen Forschungsdesigns zur Analyse der Artefakte, der Spielindustrie und der Aneignung, Rezeption und Wirkung wird eingeübt. Abschließend wird die Rolle der Game Studies innerhalb der Spielentwicklung und -industrie diskutiert.

1. Einführung und Grundlagen
   1. Begriffsdefinitionen
   2. Die Rolle des Spiels und des Spielens
2. Geschichte der Game Studies
   1. „klassische“, grundlegende Theorien des Spiels und des Spielens
   2. „moderne“ Theorien des Spiels und des Spielens im digitalen Zeitalter
   3. Diskussion des Schismas: „Narratologie vs. Ludologie“
3. Game Research: Theorien und Methoden
   1. Einführungen, Fachbegriffe und Definitionen
   2. Quantitative, qualitative und holistische Ansätze und Methoden der Spielforschung
   3. Ansätze zum Verständnis der ökonomischen und systemischen Grundlagen der Spielindustrie
   4. Ansätze zum Verständnis des Spiels als Artefakt
   5. Ansätze zum Verständnis des Spielers, seiner Motivation, seines Spielerlebens, seines Vergnügens und seiner Eingebundenheit in Communities
4. Forschungskonzeption
   1. Bewertung und Auswahl der passenden Theorien und Methoden nach Erkenntnisinteresse und Forschungsfrage
   2. Forschungsdesign und Durchführung von Untersuchungen
   3. Instrumente zur Entwicklung eigener Ansätze
5. Game Studies als Methode der Spielanalyse und der Spielentwicklung
   1. Diskussion
   2. Fazit und Ausblick

Durch das Festlegen von Spielregeln und das Konzipieren von Spielmechaniken prägen Game Designer die Spielerfahrung der Rezipienten. Der Kurs lehrt auf Detailebene die Möglichkeiten, die Game Designern hierbei zur Verfügung stehen. Insbesondere geht es um die unter dem Oberbegriff "Balancing" bezeichnete Feinjustierung von Spielparametern im Hinblick auf Fairness, Schwierigkeit, Spielprogression und Game Feel (das taktile, kinästhetische Empfinden).

1. Grundprinzipien des Balancings
   1. Komplexitätsreduktion
   2. Festlegung zentraler Gameplay-Ressourcen
   3. Priorisierung und Kaskadierung
2. Zufall
   1. Gründe für Einsatz von Zufallselementen
   2. Zufall aus Spielersicht
   3. Zufall und Pseudozufall
   4. Berechenbarkeit und Kontrolle von Zufallseffekten
3. Symmetrische vs. asymmetrische Spiele
   1. Symmetrische Ausgangssituationen in Multiplayer-Spielen
   2. Überwinden von Asymmetrien und Methoden der Symmetrisierung
4. Fairness: Theoretische Betrachtungen
   1. Muss ein Spiel fair sein?
   2. Der spielerische Wert schlechter Wahlmöglichkeiten
   3. Transitivität
   4. Metriken und Prinzipien für die Entwicklung von goodfeeling Games
   5. Bewertungsmatrizen
   6. Dominante und praxisdominante Strategien
5. Fairness: Praxisbezogene Wege
   1. Spieletests
   2. Erstellung einer Simulation
   3. Tabellenkalkulationstools sind Ihre Freunde!
   4. Beispiel: Erstellung von Kostenkurven
   5. Beispiel: Vergleich von Waffen
6. Schwierigkeit
   1. Ursachen dafür, dass Spiele als schwer empfunden werden
   2. Operationalisierung
7. Spielprogression
   1. Erstellung eines Progressions-Spreadsheets
   2. Power-Progression vs. Threat-Progression
8. Game Feel
   1. Definition und Komponenten von Game Feel
   2. Metriken und Prinzipien für die Entwicklung von goodfeeling Games